Théâtre

887

After more than 30 years in the business and with a staggering number of productions behind him (including such multi-hour epics as The Dragons’ Trilogy, The Seven Streams of the River Ota and Wagner’s Ring cycle), Robert Lepage is unquestionably a giant of the theatre. So it seems apt that in his latest touring show, he roams among scale models of apartment buildings and cars like some erudite and inquisitive Godzilla unleashed onto the streets of Quebec City.

887 is both the number of the apartment building in which Lepage grew up and the name of the latest piece from his company Ex Machina. It’s also Lepage’s first solo show since The Andersen Project in 2005.

The dollhouse world created for 887 is partly influenced by an exhibition Lepage came across in an Osaka museum, which used similarly scaled-down models to make the point that memory has the odd effect of making the physical world of the past seem smaller.

“At the very start, my intention was to do something about the theme of memory in general,” Lepage explained in a brief, but characteristically articulate phone interview. “But I’ve never really started a show with a theme. I often need an object or a thing. So of course, that building where I lived, and where I was brought up in the 1960s, was an interesting object to play around with, because it contained not only my family’s story, but the life story of the neighbours also.”

As well as the apartment building on the predominantly anglophone Murray Ave., where Lepage grew up, the set — both simple and technologically complex — also unfolds to reveal the lonely nighthawk diner where his taxi-driver father would sometimes pass his time. We also see a puppet of Charles de Gaulle emerging from Lepage’s pocket to ride a tiny motorcade through an adoring crowd of Quebecers.

As a man in his late 50s, it’s understandable that Lepage is mining memories of childhood and family for his material, although he is on record as saying that virtually every show he has created is in some way autobiographical — a form of therapy.

But 887 would seem to be Lepage’s most directly autobiographical piece so far. Its origins lie in an amusing bit of pop-quiz fluff.

“The theme of memory came from quite trivial things,” Lepage explained. “Why is it that I can remember so easily the lyrics to the opening theme song of Gilligan’s Island? Why do I remember these trivial things and I can’t remember the names of important collaborators?”

The show’s theme was also born of Lepage’s difficulty in learning the words of Speak White, Michèle Lalonde’s blistering Québécois poem that denounced the dominance of the language of the oppressor. Lepage found himself pondering the phenomenon of memory after being invited to read the poem at a commemorative event in 2010. (It was first delivered live by Lalonde in the crisis year of 1970.) The poem, he explains, also provided an important signpost in the maze of memories.

“There were so many things to be said about the 1960s and my youth, my family, the political context, and all these things, and it was all over the place. And Speak White was pretty much the ideal end point, the endgame of this story. So it helped me kind of sift through it all and create a kind of structure.”


The set of Robert Lepage's 887 includes a figure of Charles de Gaulle riding a tiny motorcade through an adoring crowd of Quebecers. 

Not surprisingly, given the inclusion of Lalonde’s poem, politics is never far away in 887.

“It was a class struggle more than anything else,” Lepage said of the anglophone/francophone divide (887 is being performed only in French at TNM). “It so happened that the bosses spoke English and the employees spoke French. So it was much more of a working-class thing in the ’60s, and eventually evolved into something completely different.

“People have forgotten that, and I think it’s our job as artists to go back and try to understand why did this happen, who said what and who triggered what. I allow myself to do that in this show because those were years when I was a kid. It’s not seen through the eyes of a mature adult who votes and has a party membership card. It’s a completely different way of looking at it. It’s more poetic, it’s more personal, it’s more emotional. It’s more about family also.”

The show recalls Lepage’s life with his mother and several siblings, as well as a grandmother going through the early stages of dementia. (Lepage made characteristic connections between physiology, language and art when he mentioned research showing that “if you’re bilingual, the onset of the first symptoms of Alzheimer’s are delayed by about four years. Also, learning music late in your life is very good for your brain.”)

But the family member who emerges as the most central to Lepage’s memory play is his father — which came as something of a surprise to the artist.

“I guess it was a big shock because I always thought I was much more of a mommy’s boy,” he said. “My mom was funny and she told stories, so I always thought I became an actor and a storyteller because I carry all that from her. I always thought that my father didn’t have any real influence on my life. As I explored this idea of memory and this whole period of my life, I realized how much closer to him I was, and how I resembled him in so many aspects. I’d kind of kept that at bay for a while, for some reason, but he became pretty much central to the piece in a way I did not intend.”

887
NAC English Theatre
Featuring Ex Machina / Robert Lepage
When: Jan. 10 – 27, 7:30 p.m., with 2 p.m. matinees on weekends
Where: National Arts Centre, Babs Asper Theatre

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Du 12 au 16 décembre 2016, pour souligner les 25 ans de la compagnie Daniel Léveillé Danse, ainsi que les 40 années de carrière de son fondateur Daniel Léveillé, La Chapelle a le plaisir d’accueillir le retour de deux pièces phares du répertoire du chorégraphe émérite, Amour, acide et noix et La pudeur des icebergs. Avec le rapport intime qu’offre la salle de La Chapelle, il s’agira d’une chance unique de réaborder ces œuvres emblématiques dans un contexte complètement différent.

Amour, acide et noix

Quatre corps donnés à la danse révèlent ce qui se love derrière la peau étrangement blanche : le muscle, l’eau, le souffle, l’énergie, un état d’être à la vie, terriblement vivant et attentif à l’autre, malgré tout ou à cause du besoin de n’être pas complètement seul. Amour, acide et noix dit la solitude, mais aussi et surtout l’infinie tendresse du toucher, la dureté de la vie et le désir d’élévation ou d’évasion de ce corps parfois si lourd. Amour, acide et noix offre la nudité comme seule alternative à une lecture du corps, sans fard, ni fausse pudeur. La peau n’est-elle pas le véritable costume du corps?

 La pudeur des icebergs

La pudeur des icebergs, cristallisation d’une réflexion sur la présence fragile de soi à l’autre. Sur la scène, nous découvrons, bouleversés, des corps nus dans un espace nu, subissant l’essentielle vulnérabilité de la condition humaine où l’être remporte parfois des victoires inespérées sur le paraître. Les trios alternent avec les duos, et l’absence de compétition amoureuse neutralise toute forme d’exclusion. Car ce n’est pas de conquête qu’il s’agit, mais plutôt d’une exploration de tous les possibles et des efforts inouïs qu’exige le simple fait d’être vivant. Avec cette œuvre épurée, Daniel Léveillé creuse encore plus profondément le seul et même sillon : la dure confrontation du corps face au corps de l’autre, les mystérieuses relations des corps dans l’espace, le tracé, l’élan et la chute inexorable du mouvement.

Chorégraphe et pédagogue canadien reconnu, Daniel Léveillé occupe une place enviable sur les scènes nationale et internationale de la danse contemporaine. En quarante années de pratique, il a contribué au développement de l’art chorégraphique en créant un corpus d’œuvres majeur interprété par des danseurs d’exception. Formé au sein du Groupe Nouvelle Aire, Daniel Léveillé travaille longtemps comme chorégraphe indépendant avant de fonder Daniel Léveillé Danse, en 1991. En 2001, Amour, acide et noix établit sa réputation sur la scène internationale où il y présentera par la suite La pudeur des icebergs (2004) et Crépuscule des océans (2007). Il développe alors une écriture faite de répétitions et de phrases courtes, imagine des partitions chorégraphiques à la limite de l’impossible qui contribuent à révéler la beauté de l’être dans toutes ses imperfections et il choisit la nudité comme seul costume possible. Avec l’œuvre Solitudes solo (2012), couronnée par le Prix du CALQ de la meilleure œuvre chorégraphique 2012-2013, il initie un nouveau cycle de création où l’on voit poindre une gestuelle plus fluide, le retour d’un costume autre que la nudité et qui réaffirme avec éloquence que l’on peut faire et dire beaucoup avec peu. Ce nouveau cycle se poursuit avec Solitudes duo (2015).

  Une production de Daniel Léveillé Danse, en collaboration avec l’Agora de la Danse et le département de danse de l’UQÀM.

Une diffusion de La Chapelle.

Amour, acide et noix -   Horaire des représentations: lundi 12 décembre, 19h et mardi 13 décembre, 20h. Chorégraphie: Daniel Léveillé

Interprétation: Mathieu Campeau, Esther Gaudette, Justin Gionet, Emmanuel Proulx

Lumière: Mac Parent Musique: Les Quatre saisons, Antonio Vivaldi Répétitrice: Sophie Corriveau Direction technique: David Desrochers

La pudeur des icebergs   -   Horaire des représentations: jeudi 15 décembre 20h et vendredi 16 décembre, 20h.mChorégraphie: Daniel Léveillé

Interprétation: Frédéric Boivin, Mathieu Campeau, Esther Gaudette, Justin Gionet, Emmanuel Proulx, Simon Renaud

Lumière: Mac Parent. Musique: Chopin Son: David Kilburn, Laurent Maslé Répétitrice: Sophie Corriveau Direction technique: David Desrochers

En coproduction avec: CanDance Network Creation Fund et ses partenaires - Agora de la Danse, BrianWebb Dance Company, Canada Dance Festival, National Arts Centre, Vancouver East Cultural Centre, avec le soutien du Conseil des arts du Canada – et Danspace Project (New York)

LA CHAPELLE, Scènes contemporaines / 3700 SAINT-DOMINIQUE / BILLETTERIE 514.843.7738 /

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Au nord de Magog, le parc national du Mont-Orford, d'une superficie de près de 60 km carrés, est une des principales attractions de la région. Le mont Orford, haut de 853 mètres, et le mont Chauve, de 600 mètres dominent son territoire. Le Parc du Mont-Orford est une aire protégée du Québec. Toute activité menée sur son territoire doit protéger ses écosystèmes, et les activités de récréation doivent se dérouler à l'intérieur d'un territoire délimité. Un centre consacré à la musique, le Centre d'art Orford, y est installé, tout comme la Station de ski du Mont Orford. Près de 500 sites de camping sont aussi accessibles.

La randonnée est sans aucun doute la meilleure façon de découvrir le parc national du Mont-Orford. C'est l'occasion parfaite d'accéder à de nombreux points de vue qu'on dit parmi les plus spectaculaires de la région des Cantons de l'Est. Le parc abrite, notamment, des cerfs de Virginie et des grands hérons, observables dans leur habitat naturel. Aux abords des deux plages, plusieurs activités sont au programme pour le plaisir des vacanciers. L'hiver venu, le parc devient un incontournable des adeptes de ski de fond et de raquette. Le Mont Orford est le quatrième plus haut sommet skiable au Québec et le plus haut des Cantons de l'Est. Il offre les meilleurs dénivelés de la région, satisfaisant les désirs des débutants comme des plus expérimentés.

Un peu à l’ouest de Magog, Eastman accueille depuis 2003 un festival littéraire assez unique. Les Correspondances d’Eastman sont engagées dans une action de revalorisation de l'écriture et de la lecture. L’objectif de ce festival est de donner le goût d’écrire et de lire. Il rend l’écriture vivante en permettant de rencontrer des auteurs et de célébrer le livre et le travail des écrivains. Au programme, des rencontres informelles avec des écrivains au hasard des activités du village, des inspirations vivantes lors des causeries et spectacles en soirée et aussi des révélations d’écrivains en herbe chez les lauréats du concours de la Poste restante. Tous les grands noms de la littérature québécoise y ont participé. La romancière Francine Ruel établie à Lac Brome tout près en est une abonnée.

À l’est, c’est au lac Magog, dans la villa de Luc Plamondon, qu’il y a trente ans Denys Arcand campa l’action du Déclin de l’empire américain. On se souvient du personnage de Claude, le prof d’université homosexuel, un des premiers personnages gais hors ghetto et non caricatural du cinéma québécois.

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Originaire de Shawinigan, Serge Denoncourt est un des acteurs et des metteurs en scène les plus prolifiques du théâtre québécois avec plus de 120 mises en scène. Après avoir fondé et dirigé le Théâtre de l’Opsis en 1984, il assume de 1994 à 1997 la direction artistique du Théâtre du Trident à Québec. Un parcours assez exceptionnel pour celui qui avait d’abord envisagé d’étudier la médecine avant d’être admis à l'École nationale de théâtre du Canada, puis inscrit au programme de théâtre du Collège Lionel-Groulx. Il a mis en scène non seulement les plus grands classiques du théâtre international, de Molière à Tennessee Williams en passant par Tchékhov, mais aussi les plus grandes pièces de nos plus brillants dramaturges dont Michel Tremblay et Michel-Marc Bouchard. En 2012 et 2015, il signe la mise en scène des deux créations récentes de Michel-Marc Bouchard, Christine, la reine-garçon et La Divine Illusion

En plus de son travail pour l'Opsis et le Trident, il a également dirigé au Cégep Lionel-Groulx, au théâtre Denise-Pelletier, au théâtre de Quat'Sous et au théâtre du Nouveau Monde.

Artiste polyvalent, il travaille également à l'opéra et en variétés. Il est le metteur en scène du spectacle d'Arturo Brachetti et a développé le concept visuel et artistique de deux tournées mondiales de la star européenne Eros Ramazzotti.

Le récipiendaire de quatre Masques et d’un Molière (Paris, 2000) a également conçu et mis en scène le spectacle Criss Angel Believe du Cirque du Soleil à Las Vegas.

À l'été 2011, en compagnie du gagnant du concours de danse So you think you can dance, le jeune Nicolas Archambault, il met sur pied un spectacle avec de jeunes tziganes à Belgrade nommé GRUBB The Musical, un projet mis sur pied pour soutenir les jeunes avec des projets éducatifs et artistiques. Ils se produiront au Festival international de jazz de Montréal dès l'été 2012.

En 2015, il devient une figure connue du grand public alors qu’il devient juge à l’émission Les Dieux de la Danse à Radio-Canada.

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47 ans après sa création, la comédie musicale Demain matin, Montréal m’attend de Michel Tremblay et François Dompierre aura droit à une quatrième vie.

Comme pour les Belle-Sœurs, c’est René Richard-Cyr qui a obtenu carte blanche de Michel Tremblay pour adapter cette comédie musicale qui fera revivre la belle époque  des cabarets montréalais. La nouvelle production sera présentée sur la scène du Théâtre du Nouveau Monde (TNM) à compter du 13 juin 2017 dans le cadre des Francofolies à l’occasion du 375e anniversaire de la métropole, puis débutera la nouvelle saison du Théâtre du Nouveau Monde à la rentrée.

La nouvelle mouture mettra en scène Hélène Bourgeois-Leclerc dans le rôle de Lola Lee, alors que Laurent Paquin  incarnera La Duchesse de Langeais, Kathleen Fortin  deviendra Betty Bird, Benoît McGinnis reprendra le rôle de Marcel-Gérard et Marie-Andrée Lemieux fera revivre le personnage de Louise Tétrault.

Tremblay a donné carte blanche à René-Richard Cyr comme il l’avait fait pour Les Belles-sœurs et Le chant de Sainte Carmen de la Main. Le metteur en scène a opté cette fois-ci  pour un style cabaret.

Créée en 1970, Demain matin Montréal m’attend a été la première comédie musicale inspirée de l’œuvre de Tremblay et la première production grand public à mettre en scène des personnages gais et travestis un an à peine après la décriminalisation de l’homosexualité au Canada en 1969. Elle raconte l’histoire d’une jeune waitress d’une petite ville de province qui débarque à Montréal dans l’espoir de devenir une grande vedette ‘entourée de fourrures et de tapettes’ sur les traces de sa sœur dans les cabarets de Montréal.

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